Trienal de Chile 2009

El Terremoto de Chile

Curador: Fernando Castro Flórez

MAC Quinta Normal | Matucana 100 | Biblioteca de Santiago - Santiago

El relato de Heinrich von Kleist El terremoto de Chile sirve como “pretexto literario” para organizar la narrativa de esta exposición de arte chileno contemporáneo. Un acontecimiento natural desata una suerte de historia moralizante en la que el extranjero aparece como aquel que mancilla el honor de lo propio. Aunque la historia avanza hacia lo bucólico y parece que finalmente todo habría sido “perdonado”, da un giro inesperado, pero no por ello menos lógico, hacia la violencia salvaje e indiferenciada. En cierta medida, la muestra intenta detectar, para seguir con la analogía literaria, temblores de tierra, situaciones veladas o discontinuidades sin pretender ofrecer una imagen institucional ortodoxa. Más allá del cliché del “arte joven” o del mero panorama complaciente, lo que intentamos es fijar algunos elementos estético-cartográficos para pensar qué ha sucedido en el arte chileno contemporáneo una vez que comienza a concretarse el dibujo o la imaginación del Edén, para parodiar el título de una importante aproximación al contexto y a los artistas realizada por Gerardo Mosquera.

En esta exposición que no pretende ser de “tesis”, como altisonantemente suele decirse, se podrá ver la multiplicidad de propuestas, lenguajes e intenciones del arte que se está haciendo en Chile en este siglo XXI. Desde planteamientos pictóricos a fotografías que tienen en cuenta lo ruinoso sin derivar hacia la melancolía romántica, de las instalaciones a los planteamientos relacionales, de la procesualidad o lo conceptual a la búsqueda de interacción. Ojalá este sismograma ofrezca espacio a los acontecimientos; esto es, consiga que lo expuesto no esté fosilizado desde el primer momento. En cierta medida, la búsqueda de situaciones transdisciplinares o, mejor dicho, indisciplinadas, persigue esa finalidad sin fin que, en una perversión del juicio reflexionante kantiano, podría ser el proyecto propio de lo estético.

En nuestros días se ha materializado lo que Baudrillard, parodiando un texto célebre de Barthes, llamara “el grado Xerox de la cultura”. Finalmente, el hiperrealismo ha sido desbordado o desmantelado por el exceso del reality-show: el artificio se ha vuelto hiperbólico. “Los artistas -afirma Kaprow- no pueden sacar provecho de la adoración a lo moribundo; ni tampoco combatir todas esas reverencias y genuflexiones cuando momentos después elevan a los altares sus actos de destrucción, objetos de culto para la misma institución que pretendían destruir. Esto es una impostura absoluta. Un puro ejemplo de la lucha por el poder”. Sin embargo, lo que nos queda es el sarcasmo o la actitud infantil o sicótica de “cagar sobre el mundo entero”. También funciona la llamada denegación fetichista: “Lo sé, pero no quiero saber que lo sé, así que no sé”. Sabemos con certeza que la cultura del entretenimiento y la diversión, a fin de cuentas, no es nada divertida y que, en última instancia, todos los derramamientos de sangre, toda la crueldad artística no eran otra cosa que exorcismos o, para ser menos diletante, pura mascarada, fake estricto. En la estetización banal aparece un éxtasis de la visión que genera su propio “punto ciego”. La exposición El terremoto de Chile intenta mostrar que se puede naufragar en la calma chicha, que a veces hay que liarse a pedradas contra los postes de alta tensión o adentrarse en Chaitén para sedimentar la catástrofe. Los artistas chilenos seleccionados no ilustran ni una tesis “curatorial” ni forman parte de un programa o de una estrategia; sus intervenciones hacen tangencia con el relato o, en algunos casos, circulan deliberadamente lejos, pero en todo caso son respuestas lúcidas e intensas a una época en la que la inercia polar y la lobotomización de la crítica no son menos preocupantes que el consenso basado en el silencio, el cinismo de los que dan lecciones al trepar o el tarareo idiotizado de las cantinelas de moda. Nunca deja de haber temblores, incluso los imperceptibles tienen riesgos. El peor de los males, la catástrofe definitiva (último acto estricto: caída del telón) es no tener nada en que pensar.

Artistas participantes

Maricruz Alarcón
El proyecto Las casitas es un registro documental en video de alta definición sobre ciertos fenómenos de migración urbana que se producen en los barrios acomodados de Santiago. El video muestra como empleadas domésticas, jardineros, obreros de la construcción y personal de servicio suben a trabajar a las casas mientras los habitantes de éstas bajan a sus lugares de trabajo y estudio.

Claudia Aravena
“Esperar es un estado. Esperar es la forma más elevada de desperdicio humano. Las enfermedades son a menudo curables, el tiempo perdido se pierde irremediablemente. Para las personas que viven en un país extranjero, la existencia se transforma en los primeros días, semanas o años de un estado de espera. Esperar la pequeña autorización para la gran perspectiva”.
Micky Kwella.

José Balmes
Terremoto. Obra de gran formato que pertenece a la colección del Museo del Barro. Fue realizada “in situ” en una de las salas este en Asunción, Paraguay.

Mónica Bengoa
El proyecto some aspects of color in general and red and black in particular se instala como una profundización de mi investigación en torno al medio fotográfico, puntualmente en torno a la especificidad de la fotografía macro, que en este caso se ve ampliada a escala monumental. En contraste a esta gran escala y a un sistema de producción que se caracteriza por la abundancia y la exacerbación de las texturas y el color, se plantea un uso de este último que se fundamenta en la restricción cromática a una escala monocroma, donde se contraponen el negro y el rojo.

Arturo Cariceo
“Neopompier Endowment for the Arts, NEA” rong>se titula la obra seleccionada para la Trienal de Chile. Es una obra compuesta de dos partes: una exhibida sólo por internet desde la dirección www.cariceo.uchile.cl; la otra, ubicada en una de las salas del Museo de Arte Contemporáneo sede Quinta Normal.

Claudio Correa
“PERDIDOS: Tres Crónicas de una Rehabilitación Conductual Masculina”. Es una obra que se enmarca en una investigación emprendida por Claudio Correa el año 2003 en el mundo carcelario y las estéticas de la marginalidad urbana. Producto de estas investigaciones se han generados diversos trabajos de carácter instalativo y que complementan la visualidad con otros registros, como el sonido. El artista ha utilizado la entrevista y la crónica como herramientas de este proceso, integrándolas también a su narrativa. En este caso, el trabajo de campo se fundamenta en un taller de arte y comunicación realizado a jóvenes imputados del Centro de Rehabilitación Conductual de Valdivia, quienes trabajaron su propio retrato y el de sus seres queridos mediante el programa Identikit, similar al utilizado por la policía para identificar a delincuentes o sospechosos.

Gonzalo Cueto
Proceso que a partir del año 2006 al presente, se registra en cámara fija, citando una romántica visión pictórica del paisaje, una serie de acciones sobre estructuras de transmición eléctrica situadas en bordes urbanos y rurales de diversos lugares de Chile.

Margarita Dittborn
“Exótico” es un proyecto que profundiza en el imaginario que tuvieron los europeos respecto a América durante el período de los descubrimientos y las conquistas. Los fotomontajes que nos presenta Margarita Dittborn se basan en imágenes de grabados creados, la mayoría de ellos por ilustradores europeos que jamás pisaron el continente americano, trabajados a partir de historias inventadas por los viajeros y reseñas sobre América que no se sabe en qué parte de la historia fue realmente que se tergiversaron tanto.

Arturo Duclos
El titulo de la obra de Arturo Duclos es : Noesis noeseos disco _mix Noesis noeseos_disco mix (El pensamiento del pensamiento) , originalmente está escrito en en griego.

Pablo Ferrer
El trabajo que será presentado en la Trienal de Chile consiste una imágen de gran formato compuesta de cuatro telas unidas. Esta imagen estará pintada a partir de maquetas y otros tipos de modelos. La pintura representará un terreno descampado con diversos accidentes geográficos.

Nicolás Franco
El trabajo de Nicolás Franco está multi-formado y multi-informado. En efecto; en el se cruzan y entrecruzan registros de voces anónimas, retazos mudos del cine de terror, entrevistas video a desconocidos, vistas de ciudades nocturnas registradas en penumbra, y el blanco y el negro truculento de la cinematografía expresionista Alemana.

Francisca García
Interior, catástrofe. Instalación que relaciona la escultura con el sonido.
El volumen escultórico de la obra corresponde a una torre de alta tensión derribada. En el paisaje estas estructuras metálicas de gran formato que conducen constantemente energía, irrumpen en el espacio realizando la función de conectar diferentes y remotos lugares.

Andrea Goic
“VIDEO TREMENS” es un video exploratorio acerca de la ebriedad del relato.

Nury González
Después del terremoto, de cualquier terremoto, los de tierra, los políticos, los familiares, los amorosos, lo que siempre queda visible o rescatable en la habitación, es el velador —la mesa de luz— que logra contener, en el tiempo posterior a la partida de los cuerpos, pistas de la última conversación, de la última espera, del último soplo. Pareciera ser un objeto que convoca las claves de reparación y reconstrucción —de tanto mirarlo y usarlo—, de los secretos más velados o de las historias más renuentes del recuerdo.

Adrián Gouet
La obra propuesta para la Trienal ofrece, en primera instancia, unas imágenes cuya manifiesta voluntad de complacencia y satisfacción —cifrada en una suerte de efectismo pictórico— es contravenida por las connotaciones trágicas que, tanto plástica como iconográficamente, pueden advertirse en cada una de ellas. De la misma manera, la inmediatez con que la mimesis pictórica nos conduce al campo de las figuras representadas es boicoteada por las sucesivas mediaciones que permiten la obtención de esas mismas imágenes, configurando un nuevo estrato de fricción visual.

Jorge Gronemeyer
El presente proyecto fotográfico es parte de un trabajo de mayor alcance titulado genéricamente “URBE”, con el cual pretendo realizar en forma analítica y metodológicamente una serie de “retratos de ciudades”, abordando el género Paisaje, situando mi estrategia conceptual en el Urbanismo y lo visual/técnico, en las especificidades y precisión de la Fotografía Arquitectónica y la referencia histórica de las vistas topográficas.

Nicolás Grum
Escultura hecha a partir de mobiliario estatal devaluado. Estos muebles fueron parte de una idea (o ideal) modernista y modernizador, la cual volvía a preguntarse por la función del hombre, de la industria y del arte al interior de una sociedad. Su manufactura y calidad remiten a una lógica ajena a la actual: son muebles durables, con un diseño sencillo y funcional sin dejar de ser cómodos y ergonométricos, son además, producto del desarrollo de una industria loca, hoy igualmente devaluada en relación a las importaciones provenientes de Asia como resultado de nuestros tratados de libre comercio.

Patrick Hamilton
El Proyecto Lanz tiene como punto de partida un mito que existe en el sur de Chile que narra la historia del supuesto oro fundido y escondido por los nazis en piezas de tractores de la marca Lanz, que luego de la Segunda Guerra habrían sido enviados al sur de Chile y a otros países de Sudamérica.

Pablo Langlois
El Canto de los Pájaros: El Ruido y el Silencio. La obra consiste en un mural hecho progresivamente por la impresión de textos referidos a la trienal y temas distintos y distantes de esta. Estos textos, recogidos en mesas redondas, en los medios, en conferencias, conversaciones o recuerdos del público, son yuxtapuestos a un número significativo de nidos de pájaro hechos con restos de materiales blandos: cordeles, hilos, alambres, plumas etc. desde donde se reproducen, a través de pequeños parlantes, el sonido inconfundible del canto de los pájaros como imagen sonora de la pajarera conmocionada por un evento extraordinario.

Rodrigo Lobos
La obra para la trienal tiene como referencia dos noticias distribuidas en distintos medios nacionales durante el 2008, las que conviven dentro de la sala produciendo una nueva narración. Ambas noticias tienen en común el presentarse como hechos asombrosos y estar relacionadas con el agua.

Guisela Munita
Lo ocurrido en calle Serrano, en pleno casco histórico, con el incendio de dos edificios en su totalidad, ha dejado ver las curiosidades porteñas, una de ellas es que nos enfrenta a lo precario e inestable de una fachada sostenida solo por puntales de apoyo, tal como se afirma un árbol a punto de romperse, los apuntalamientos no solucionan el problema, solo retardan el proceso.

Iván Navarro
The latter work faced Navarro’s video The Missing Monument for Washington, DC or A Proposal for a Monument for Victor Jara, (2008), another piece about failure, this one political: Augusto Pinochet’s seventeen-year dictatorship in Chile, a reign marked by torture, murder, and government-ordered disappearances. In this haunting video, Chile born Navarro refers to folksinger and songwriter Victor Jara, killed in September 1973 in Chile Stadium by Pinochet’s forces.

Mario Navarro
El pabellón del árbol magnético es un conjunto de situaciones que se articulan a partir de la interacción de tres secciones:
La primera la he llamado sección PLUS, ésta corresponde a un área de descanso y relajación donde el público puede interactuar directamente con la obra a través de un dispensador de licor simular al que se puede encontrar en un bar personal.

Diego Opazo
Lares loci, divinidad romana cuya función primordial era velar por el territorio en que se encontraba la casa familiar.

Bernardo Oyarzún
Este proyecto aborda un conjunto de operaciones técnicas y mecánicas aplicadas. De diseño y elaboración estética popular, definiendo este trabajo a partir de la solidez formal que tiene, y se plantea como elemento esencial de esta obra. Este punto es el primer forzamiento al límite del arte, las artes manuales, estigmatizadas como expresividad ordinaria, naturalmente desapercibida, como lo omnipresente, es una expresión de autoría anónima, colectiva y necesaria. A diferencia del arte visual, que juega en otros estratos del discurso personal de presencia y unicidad ególatra, en el caso de la artesanía, son operaciones globales de multiplicidad dispersa. Me parece relevante el desafió de esta coyuntura como una exploración a estas fronteras poco definidas y poco trabajadas desde el mundo del arte visual. El mayor desafío es el ejercicio de esta obra: recolección de piezas únicas, dentro de su rebaño de similares.

Fernando Prats
Fernando Prats es el ejemplo perfecto de creador contemporáneo capaz de mantener abierto los maravillosos caminos de la pintura sin aferrarse a los dogmas establecidos ni tirar, como mandaría la moda, hacia una hibridación finalmente decorativa. Con una lucidez increíble ha retomado la concepción de la pintura como acontecimiento sin volver, a la manera manierista, a la pasión del dripping. Fernando Prats trabaja, casi como un alquimista, ahumando la antigua superficie de la representación para que ahora se produzcan cosas que no son, ni mucho menos, anecdóticas. Su obra es, simultáneamente, una manifestación diferente de la subjetividad y una rara retirada que me lleva a pensar en que la mano (ese apéndice que nos ha convertido en lo que somos) está en retirada. Efectivamente, Fernando Prats apedrea sus cuadros, deja que las ramas los azoten o las palomas dejen las marcas de sus aleteos; las fotografías del proceso de trabajo revelan que también llega a lamer la superficie ahumada para dejar enigmáticas huellas o que incluso los gusanos “dibujan” fascinantes líneas laberínticas en el fértil territorio de esta otra encarnación de la pintura. Fernando Prats quiere superar los “instrumentos de la pintura” para que la obra de arte se produzca en la brecha de mundo y tierra; es, propiamente, en el espacio hermenéutico de fricción entre lo que está a la mano y aquello que se reserva como un tesoro (en una simplificación deliberada de las consideraciones heideggerianas sobre el origen de la obra de arte) donde se pone en obra la verdad que es una suerte de tiempo atmosférico. Cuando Prats transporta hasta los glaciares árticos las telas de plástico con las que había recubierto (insisto: velado) la cueva de la iluminación mística de Ignacio de Loyola en Manresa está materializando, de forma extraordinaria, un nueva geografía estética. Lo que este artista impar recupera es la dimensión de lo sagrado sin caer por ello en lo confesional. Sus ritos tienen que ver, primordialmente, con el deseo de dotar al arte de la conmoción estética que, desde Aristóteles, se tipificó como catarsis. Cuando la catástrofe se avecina, en el momento en el que la trama de la vida (representada es cierto) se vuelve insoportable acontece una purificación que, no cabe duda, nos enseña algo. El telón cae o el deus ex machina se precipita con estrépito sobre la escena para que el pensamiento lógico asuma, tras el tiempo de la ilusión, la conflictividad de lo que nos resta. Precisamente el resto es lo que obsesiona a Fernando Prats, aquello que no sabemos si sobra o falta. Afortunadamente en vez de reiterar una estitización de lo escatológico (algo manifiestamente normativo en la contemporaneidad), lo que este creador eleva como un mapa oscuro es el rastro plural de un arte nómada. Fernando Prats viaja hacia lo desconocido pero también en dirección al comienzo, en su reducción a humo de la superficie pictórica no se contenta con el desierto de Malevitch ni tiene nostalgia de lo que está detrás (el oro de Bizancio) sino que activa el azar, actúa para que lo mágico aparezca. Para la exposición El terremoto de Chile, en el espacio de Matucana 100, Fernando Prats ha realizado un recorrido por su país de origen que le ha llevado hasta Chaitén donde ha sedimentado la ceniza, dando espacio plástico a la ruina, meditando con una intensidad enorme sobre el desarraigo, consciente de que el desierto, tal y como anunciara Nietzsche, no deja de crecer.
Fernando Castro

Alejandra Prieto
La obra que se verá en el Patio Norte será una construcción de 3 metros de diámetro por 1,65 de alto de bloques de carbón mineral que representará un iglú. Se ubicará al centro de la sala y se iluminará desde 3 fuentes, una que saldrá desde el zócalo del iglú, otra de adentro y la ambiental que será de día natural y de noche con una discreta luz artificial.

Nicolás Rupcich
La obra consiste en un video montado en un monitor de 7 pulgadas. El video es un plano secuencia de una toma panorámica recorriendo todo el trayecto de la autopista Costanera Norte. El video estará conectado un sensor de movimiento, el que tendrá por función detectar cuando un espectador se acerca a ver la imagen en el pequeño monitor y pondrá la imagen de video en pausa. Dado el circuito de detección de movimiento, el espectador podrá ver la imagen en video correr solamente a distancia, sin poder acercarse a ver el recorrido en detalle, ya que el circuito al activar la pausa corta el “flujo” de la imagen y trunca cualquier posibilidad de que el espectador experimenté la imagen del recorrido en su plenitud.

Demian Schopf
El trabajo de Demian Schopf se bifurca en dos grandes líneas de investigación. La primera, se concentra en el barroco y neobarroco latinoamericano. Los soportes de esta primera indagación han sido la fotografía, el video y el ensayo.

Cristian Silva
Por medio de un conjunto de pequeños objetos, dibujos, fotografías y videos, la propuesta de Cristián Silva (Santiago de Chile, 1969) intentará abordar la nebulosa zona en la que se intersectan lo existencial y lo político.

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