Al no poder garantizar la asistencia del Ministro y Curador de la Trienal de Chile 2009, Ticio Escobar y de la Ministra del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Paulina Urrutia, por mantenerse ésta a disposición de las urgencias que reclaman las circunstancias, la Dirección de la Fundación ha decidido suspender el acto de presentación, entrega de catálogo y libro de coloquios de la Primera Trienal de Chile.

Esperando contar con su comprensión les saluda cordialmente,

Oficina de Coordinación

Trienal de Chile 2009

 Santiago,8 marzo del 2010.

Más de 500 piezas provenientes del Museo del Barro (Asunción, Paraguay) se instalan en el Centro Cultural Palacio La Moneda, en un montaje que integra arte indígena, colonial, popular y contemporáneo.

La exposición diseñada por la curadora brasileña Aracy Amaral se inaugura el 6 de octubre y es uno de los hitos de la I Trienal de Chile. Siguiendo la invitación del curador general del evento, Ticio Escobar, se trata de una propuesta que —con profusa visualidad— cuestiona los límites del arte.

La Trienal es un programa nacional Bicentenario que incluye a artistas, curadores, críticos e intelectuales tanto locales como extranjeros, exhibiciones y diversas actividades a través del país. De impacto global, celebrará cada tres años las artes visuales nacionales con un modelo de acción descentralizado.

El Museo del Barro cumple 30 años y es todo un hito en la escena del arte latinoamericano, al trabajar en la intersección de sistemas transculturales, un cruce de lo indígena, lo popular y lo erudito contemporáneo. Su presencia en Chile obedece al concepto curatorial de la Trienal; a la necesidad de “revisar conceptos de arte actual en diálogo con las formas pasadas y tradicionales, así como de traer a la escena chilena un imaginario profuso poco común aquí. La muestra es de mucha riqueza visual”, plantea Ticio Escobar.

El curador es uno de los fundadores del Museo, junto a Osvaldo Salerno —museógrafo de la Trienal— y al artista Carlos Colombino.

La propuesta para Chile fue encargada a Aracy Amaral y consiste en presentar el Museo del Barro a través de sus colecciones de arte paraguayo, incluyendo arte popular, precolombino, colonial y contemporáneo; un recorrido por nueve siglos de historia de un país donde el mestizaje propone continuas tensiones políticas y culturales.

El montaje enseña “un compromiso con la visualidad desde el punto de vista histórico y político, así como con las vertientes artísticas que proyectan ese interés”, agrega la curadora.

De ahí la intención de incluir lo que se denominará “Tiempos de Tensión”, con expresiones desarrolladas en tres importantes períodos en la historia del país vecino: Guerra del Paraguay (1865-1870), Guerra del Chaco (1930-1935) y la dictadura de Alfredo Stroessner (1954-1989). Se integran objetos y obras de la colección, fotos, documentos y la contribución de diversos artistas contemporáneos, como Joaquín Sánchez, Fredi Casco, Olga Blinder y Carlos Colombino, entre otros.

“La idea de presentar los objetos artísticos en el espacio, sin preocupación cronológica pero en búsqueda de una ‘conversación’ entre ellos, confirma el concepto de que las creaciones visuales se imponen por su calidad y valor estético sin dar mayor importancia a la fecha de su ejecución.”, dice la curadora.

La muestra suma obras no pertenecientes, hasta el momento, a la colección del Museo, “aunque comulguen con la idea del trabajo con deshechos de lo popular o de la sociedad industrializada”, contándose entre los autores a los brasileños Hermanos Campana (diseñadores) y al artista visual Henrique Oliveira.

Aracy Amaral es crítica e historiadora de arte, así como profesora titular de Historia del Arte en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Sao Paulo, en Brasil. Fue directora de la Pinacoteca del Estado y del Museo de Arte Contemporáneo de la misma universidad. Ha publicado numerosos libros sobre el modernismo en Brasil, entre los que destacan “Blaise Cendrars no Brasil e os Modernistas” y “Artes Plásticas na Semana de 22”, entre otros. Además, ha sido curadora de diversas exposiciones sobre arte brasileño en el mundo, como “Foujita no Brasil, Kaminagai e o jovem Mori”, así como en el Centro Cultural Banco do Brasil de Saso Paulo, entre otros.

Dentro del llamado del curador de la I Trienal de Chile, Ticio Escobar, a explorar los límites del arte, esta exposición reflexiona sobre el proceso identitario del país a partir de la mirada al territorio que establecieron científicos y artistas tanto nacionales como extranjeros en el siglo XIX.

“Territorios de Estado” es el resultado de una investigación realizada por el curador argentino Roberto Amigo en colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes, del Museo Histórico Nacional, de la Biblioteca Nacional y en patrimonios de Concepción, Valparaíso, Viña del Mar y privados, incluyendo obras como pinturas de paisajes, dibujos, cartografías, manuscritos y publicaciones del siglo XVIII hasta 1910.

La I Trienal de Chile es un proyecto emblemático del Bicentenario que involucra a artistas, curadores, críticos e intelectuales locales e internacionales, en exhibiciones y diversas actividades a través del país. De impacto global, celebrará cada tres años las artes visuales nacionales en integración con las tendencias contemporáneas.

“En el guión de la curaduría general de Ticio Escobar un punto central es estimular la reflexión sobre la cuestión problemática de la temporalidad del concepto de lo artístico y de la institucionalidad, puestos en tensión desde la idea fuerza de límite del arte”, argumenta Roberto Amigo.

En el marco del Bicentenario, la propuesta es una reflexión sobre la construcción identitaria de Chile desde la representación del territorio. “Para ello desdibuja los límites de lo artístico enfrentando expositivamente el género de paisaje decimonónico con la cartografía, y los respectivos procesos de adquisición técnica para estas representaciones”.

El curador agrega que “la pintura de paisaje ha sido clave en la formación del imaginario identitario chileno”, así como “la representación cartográfica ha tenido un papel central en la constitución del estado-nación moderno”. De este modo, dialogan los aportes de científicos como Pedro Amado Pissis y Rodulfo Philippi, con obras de artistas como Juan Mauricio Rugendas, Antonio Smth, Alfredo Helsby, Alberto Valenzuela Llanos, Alfredo Valenzuela Puelma, Alejandro Cicarelli, Juan Francisco González, Pedro Lira, Enrique Swinburn, Thomas Somerscales y Onofre Jarpa, entre otros.

Situada en un edificio emblemático del Centenario chileno, la muestra “historia el modo de representación del territorio en el cual ahora se desarrolla la Trienal desde el supuesto objetivismo científico de los mapas y el desarrollo del paisaje como género pictórico, que en el siglo se desarrolla desde la objetividad descriptiva a la subjetividad emotiva”, concluye.

Dentro de casi 150 piezas, se incluyen textos del poeta Raúl Zurita y una propuesta de Alicia Villarreal, “Grabar el territorio”. Explica esta reconocida artista: “Es una obra realizada especialmente en el contexto de la exposición y aborda desde una perspectiva actual el problema de la enseñanza en la conformación del territorio como lugar de anclaje de la identidad nacional. Se trata de una instalación donde se han dispuesto 43 bancos escolares intervenidos con serigrafía, corte y ensamblaje, provenientes de uno de los establecimientos educacionales públicos más emblemáticos del país, el Internado Nacional Barros Arana”.

Roberto Amigo es crítico, docente, investigador y especialista en arte latinoamericano del siglo XIX. Ha sido curador de las exposiciones “Buenos Aires 1910: Memoria del Porvenir”, “La Nación Naciente” y publicado ensayos sobre arte latinoamericano del siglo XIX y XX. Ha recibido becas y reconocimientos, como el subsidio de investigación de la Secretaría de Ciencia y Técnica de la Universidad de Buenos Aires; el Fondo Nacional de las Artes y la beca de la Association of Research Institutes of Art History y The Rockefeller Foundation, entre otras instituciones. Además, obtuvo el Premio al Ensayo del Año (1999) de la Asociación Argentina de Críticos de Arte y el Premio Telefónica a la Investigación en Historia del Arte (2000), entre otros reconocimientos.

Ciclo de Video Arte Laberinto de visibilidad: audiovisual experimental en los años de dictadura
8 - 14 de octubre, Centro Cultural Palacio La Moneda (Santiago)
5 - 30 de octubre, Sala de Arte Collahuasi (Iquique)
15 de octubre, Universidad Católica del Norte (Antofagasta)
Curadora: MÓNICA CARBALLAS (España)

En el marco de la Trienal de Chile, la curadora española Mónica Carballas presentará un ciclo de video arte y documentales, con obras concebidas en contextos de represión política y cultural en Latinoamérica, que suma a artistas como Juan Downey, Eugenio Dittborn, Lotty Rosenfeld, Regina Silveira, Sergio Muniz, Andrés di Tella, Ignacio Agüero, Letícia Parente y Paulo Bruscky, entre otros.
El programa comprende una selección de 25 piezas realizadas principalmente entre mediados de los años 60 y finales de los 80 en Brasil, Chile, Uruguay, Paraguay y Argentina. Simultáneamente, con la participación de teóricos y artistas, se desarrollará una serie de mesas redondas sobre estas poéticas de resistencia desarrolladas a través de la experimentación con el lenguaje audiovisual.
El ciclo comenzará el 8 de octubre a las 17 horas en la Cineteca del Centro Cultural Palacio de La Moneda, desarrollándose también durante este mes en Iquique y Antofagasta.
El ciclo de video arte “Laberinto de visibilidad: audiovisual experimental en los años de dictadura” responde, por una parte, a la intención de indagar acerca de la vivencia de lo experimental como espacio de libertad, según las argumentaciones de Hélio Oiticica (Río de Janeiro, 1937-1980) en sus escritos sobre lo experimental, la invención, el quasi-cinema y lo que el artista denominó “programas no programados o programas en progreso”.

Por otra parte, está la idea de explorar la complejidad y diversidad de posturas estéticas y políticas y los distintos grados de visibilidad y trascendencia que han tenido. También, el interés de reflexionar o debatir sobre las expectativas utópicas proyectadas sobre el medio, ya sea como herramienta de cambio o como posibilidad de participación activa del espectador en cuanto a la ruptura con el dispositivo clásico, no sólo de proyección sino también en las formas de distribución al margen del sistema.

La selección de 20 obras audiovisuales será exhibida en tres sesiones de 45 minutos cada una. El programa se presentará inicialmente en Santiago, para continuar en otras ciudades donde la Trienal desarrollará sus acciones. Se suma una compilación de documentales de directores de Brasil, Chile y Argentina, como “Você também pode dar un presunto legal” (1970-71/2006), de Sérgio Muniz. Inédito durante 30 años, el filme es una denuncia de las actuaciones de los Escuadrones de la Muerte en Brasil. Está realizado sin medios y con la colaboración de actores y amigos que representan escenas de obras de teatro que estaban en cartel en Sao Paulo en aquel momento.

Mónica Carballas es curadora e investigadora de video arte en Madrid. Se forma en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca (1989/1994), posteriormente se especializa en Museografía y Exposiciones por la Universidad Complutense de Madrid (1998/2000). Trabaja en el Departamento de Conservación de Fotografía del MNCARS desde 2000 y desde 2002 en el Departamento de Exposiciones Temporales. Ha coordinado, entre otras exposiciones: Robert Frank. Hold Still… Keep Going, 2001, Más allá del documento (Versiones del sur) 2001, Nan Goldin. El patio del diablo, 2002, Per Barclay, 2004, Primera generación. Arte e imagen en movimiento (1968-1986), 2006. A partir de 2006 se vincula a la Universidad de Vigo como investigadora y en 2007 recibe la beca de la Fundación Marcelino Botín para estudios de Comisariado y Gestión de Museos gracias a la cual trabaja durante 2008 en el desarrollo del proyecto de investigación “Cine y vídeo experimental en contextos de dictadura” en la Universidad de Sao Paulo.

Con intervenciones audiovisuales y sonoras en el espacio público, Lotty Rosenfeld se integra durante octubre a las actividades de la Trienal de Chile, situando su obra en lugares tan simbólicos como la Bolsa de Comercio y el Estadio Víctor Jara, en Santiago, para trasladarse luego a Lota y sumergirse en la mina “El Chiflón del Diablo”, cerrada en 1997.

La reconocida artista acoge así el llamado del curador general de la Trienal, Ticio Escobar, a explorar los límites del arte, énfasis que es parte de su obra desde fines de los ‘70. Las intervenciones son de hecho una reposición en escena de la memoria de su trabajo de los últimos 30 años.

La Trienal es un programa nacional Bicentenario que incluye a artistas, curadores, críticos e intelectuales tanto locales como extranjeros, exhibiciones y diversas actividades a través del país. De impacto global, celebrará cada tres años las artes visuales nacionales con un modelo de acción descentralizado.

Con dos intervenciones urbanas en lugares emblemáticos de Santiago, Lotty Rosenfeld trabaja la memoria estética social y política de su propia obra, recurriendo a temas siempre presentes en su producción audiovisual. La ex integrante del CADA (Colectivo Acciones de Arte, 1975-1985) realizará la intervención audiovisual “Estadio Chile I” en el exterior de la Bolsa de Comercio (Calle La Bolsa 64), trasladándose al día siguiente al interior del Estadio Víctor Jara para realizar la intervención sonora “Estadio Chile II”.

Ahondando aún más en el vacío de la carencia de las voces subalternas y en su imposibilidad de audición en los espacios públicos y otras múltiples manifestaciones de tensiones sociales, Lotty Rosenfeld re-instalará la documentación sonora de la intervención realizada en el Estadio Víctor Jara al interior de la mina de carbón “El Chiflón del Diablo”, ubicada en Lota a 850 metros bajo el nivel del mar, cerrada en 1997 ocasionando graves problemas sociales de cesantía y pobreza.

Lotty Rosenfeld estuvo ligada en sus inicios al grabado, tomando luego rumbo en el trabajo con video, acciones de arte e intervenciones en el espacio público, acudiendo —desde tiempos de dictadura hasta ahora— a elementos que cuestionan simbólicamente el estatuto político y la rígidez institucional. A fines de los años 60, la artista ingresó a la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile, formando parte de la Generación del ´70, y ligándose a la Escena de Avanzada. En 1979 realizó sus primeras acciones junto al grupo CADA. En la década de los 80, integra una generación de videístas, contándose entre sus compañeros de labor a Juan

Downey, Alfredo Jaar y Gonzalo Mezza. Su obra más característica es “Una milla de cruces sobre el pavimento”, acción de arte que realizó a partir de 1979 en diversas ciudades, como Santiago, Washington o Nueva York, y que consistió en cruzar una cinta blanca a las líneas discontinuas del pavimento, formando de este modo, temporales cruces blancas. El gesto lo reiteró en 2007 en la Documenta 12 de Kassel.

DETALLE DE LAS INTERVENCIONES

ESTADIO CHILE I
7 de octubre, 20:30 hrs.
Exterior BOLSA DE COMERCIO (Calle de la Bolsa 64, Santiago Centro)
Sobre la fachada del Edificio de la Bolsa de Comercio se proyectará el nombre de la artista y una fecha, imagen que hace referencia a la video instalación “Una herida americana” (1982), realizada en el interior del mismo recinto, en plena debacle financiera del modelo neoliberal implementado por el gobierno militar.

En forma simultánea, en torno al acceso de el edificio, se emitirá la banda de audio del video “El empeño latinoamericano” (1998), obra en la cual se trabajó con la Casa de Empeño “La Tía Rica”, lugar de enajenación de bienes de carácter estatal.

ESTADIO CHILE II
8 de octubre, 12:00 hrs.
Interior ESTADIO VICTOR JARA, Pje. Arturo Godoy 2750 (Estación Central)
La segunda intervención ocurre al interior del Estadio Víctor Jara, ex Estadio Chile. El recinto, desprovisto de público, será intervenido por diversas bandas sonoras amplificadas en forma programada en pasillos de acceso, graderías y escenario central. Dichas bandas de audio han sido elaboradas a partir de una selección de voces extraídas de la producción audiovisual de Rosenfeld, que refieren a diversas realidades sociales y políticas, y abordan el silencio oficial frente a discursos o reclamos que son desoídos por los poderes centrales.

Por otra parte, en adición al audio descrito, en una sala del subsuelo se desplazará en directo el sonido del tráfico urbano de las calles aledañas al estadio, el barrio de Estación Central.

ESTADIO CHILE III
10 de octubre, 13:00 horas
Interior mina EL CHIFLON DEL DIABLO, El Morro S/N (Lota alto)
Ahondando aún más el vacío de la carencia de las voces subalternas y su imposibilidad de audición en los espacios públicos y otras múltiples manifestaciones de tensiones sociales, Lotty Rosenfeld re instalará la documentación sonora de la intervención realizada en el Estadio Víctor Jara de Santiago, al interior de la mina de carbón “El Chiflón del Diablo”, ubicada en Lota a 850 metros bajo el nivel del mar, en desuso desde 1997 ocasionando graves problemas sociales de cesantía y pobreza.

Con la curatoría de Gustavo Buntinx para la Trienal de Chile, el MAC Forestal recibe una versión recargada de algunas de las más radicales propuestas de Micromuseo (“al fondo hay sitio”), espacio ambulante que ha marcado un hito en la escena peruana y latinoamericana.

La exposición se inaugura el 7 de octubre, con la presencia del embajador de Perú, y reúne un centenar de obras “resultantes de la relación friccionada entre la pequeña burguesía ilustrada (de Perú) y lo popular emergente, expresiones neo barrocas donde la sexualidad, la devoción popular, la teología exacerbada, la violencia, el arte y la política se integran en un flujo iconográfico común”, dice el curador.

La Trienal es un programa nacional Bicentenario que incluye a artistas, curadores, críticos e intelectuales tanto locales como extranjeros, exhibiciones y diversas actividades a través del país. De impacto global, celebrará cada tres años las artes visuales nacionales con un modelo de acción descentralizado.

Micromuseo (“al fondo hay sitio”) es una iniciativa que surge ante la ausencia en Lima de un espacio exclusivamente dedicado al arte contemporáneo. Concebido como un museo rodante que circula por diversas localidades y/o interviene espacios inusitados, tiene en Gustavo Buntinx una suerte de “chofer”.

Un centenar de piezas de diverso tipo y naturaleza provenientes del proyecto, se instalarán en el primer y segundo piso del MAC Parque Forestal. Obras artísticas cruciales se mezclan con peculiares imágenes de exacerbada devoción popular, con otras que denotan la violencia recientemente vivida por Perú, así como obras donde la sexualidad y la teología alteran las relaciones establecidas entre arte y política, arte y violencia, arte y religión.

De esta forma, se aprecian asociaciones entre lo artesanal, lo (semi)industrial, lo artístico. Lo prehispánico y lo moderno, lo colonial y lo contemporáneo.

Micromuseo propone un recorrido por la sensibilidad (neo) barroca que ha emergido en Perú a partir de los estragos de la guerra (1980-1992) y de la dictadura (1992-2000) y esboza un nuevo horizonte de renovaciones culturales.

El accionar de la muestra se proyecta a partir de estrategias friccionarias que “ponen en escena crítica el carácter discontinuo de la historia y de la cultura y de la política en un país hecho de fracturas pero también de incesantes intercambios de fluidos. A esa libido en medio del caos responde esta praxis museal que yuxtapone los fragmentos dispersos de nuestras muchas expresiones, recíprocamente iluminadas por sus diferencias tanto como por sus articulaciones”, explica Buntinx.

Entre los integrantes de la muestra, se cuentan artistas contemporáneos de Perú, así como reporteros gráficos, diseñadores anónimos y anónimos populares varios. Destaca en Chile, la presencia de LU.CÚ.MA (Luis Cuevas Manchego), un ex presidiario local que fue descubierto por Buntinx. En octubre, el artista realizará una presentación de su trabajo junto a Galería Metropolitana, viajando además a la región de Copiapó a reunirse con artistas locales en el sitio La Curandera Artes Visuales, de Bahía Inglesa.

Micromuseo también trae consigo las propuestas del Museo Hawai de Fernando Bryce, el Museo Travesti de Giuseppe Campuzano, el LIMAC de Sandra Gamarra y el Museo Neo-Inka de Susana Torres.

Se trata, añade Buntinx, de “una musealidad mestiza donde las palabras ‘artista’ y ‘artesano’ serán reemplazadas por la de ‘artífice’ procurando significar la crisis de esas y otras distinciones en una sociedad crecientemente hecha de lo impuro y lo contaminado. El principio aquí operativo es no reprimir sino productivizar las diferencias para que salga una belleza nueva. Que la diferencia refulja”.

Trabajos en residencia de artistas nacionales e internacionales, y proyectos de investigación sobre el patrimonio local, han sido parte de las actividades que la Trienal de Chile ha impulsado desde junio en la Región de Tarapacá, con el objetivo de potenciar la escena local y dar vida a uno de los focos de este evento que se reparte en siete ciudades del país.

Este martes 13 se realizan cuatro actividades en Iquique: la mesa redonda “Urbanización de Tarapacá”, con el Premio Nacional de Historia Lautaro Núñez, la historiadora peruana Rosa Troncoso y el curador de la zona por la Trienal, Rodolfo Andaúr (15:00 horas, Sala de Arte Casa Collahuasi); la inauguración de la exposición “Acción Educación y Arte Actual en Tarapacá” (17:00 horas, Sala Casa Mayor); inauguración de la exposición “Informe de campo” (18:30 horas, Sala de Arte Casa Collahuasi); y apertura de “El Campeón: Archivo personal del ‘Tani’ Loayza” (20:00 horas, Museo del Boxeo). También en la Sala Collahuasi se encuentra hasta el 30 de este mes el ciclo de video arte “Laberinto de visibilidad: audiovisual experimental en los años de dictadura”.

Bajo la curatoría del Ministro de Cultura de Paraguay, Ticio Escobar, la I Trienal de Chile se realiza entre el 5 de octubre y el 5 de diciembre en Iquique, Antofagasta, Valparaíso, Santiago, Concepción, Temuco y Valdivia. El encuentro es un programa nacional del Bicentenario chileno, el único desde las artes visuales y pretende explorar los límites del arte. De impacto global, celebrará cada tres años este ámbito de la cultura nacional en integración con las tendencias contemporáneas.

ARTISTAS EN RESIDENCIA
Patrick Hamilton. Colchane, región de Tarapacá
Las obras del artista chileno Patrick Hamilton son reconocibles en varios lugares del mundo, un trabajo que cruza estrategias pictóricas y arte objetual a partir de manipulaciones formales sobre la base de “dispositivos de maquillaje” neo conceptuales. Siempre muy atento a su proceso de investigación, Hamilton trabaja de la mano de una impureza e hibridez formal. En la Trienal de Chile 2009, este artista realizó una residencia “dura” en el altiplano de la región de Tarapacá, específicamente, en la comuna de Colchane —lugar donde se instala una feria de productos— y en la que se puede encontrar mucho de la cultura visual aprendida y manifestada por él durante su trayectoria de obra. Su completa apreciación de las formas y los lenguajes lo lleva, en esta oportunidad, a conectarse con chilenos, bolivianos, aymaras y forasteros, en el límite más intrépido del país.

Joaquín Sánchez. Iquique-Oruro
Este artista paraguayo residente en Bolivia, inspirado en el libro Pampa escrita, del sociólogo e historiador iquiqueño Sergio González —una compilación de 700 cartas encontradas en los basurales de antiguos campamentos salitreros—, se percata de las vivencias de un inmigrante boliviano que trabaja en las compañías salitreras de la pampa de Tarapacá en los años 30. Sánchez se propone armar un mapa cinematográfico que mezcla personajes y eventos que, aunque parecieran no tener relación alguna, siempre han existido en la particular trama de relaciones entre Chile y Bolivia.

Vania Fernández. La Tirana, Iquique
Las festividades religiosas en torno a “la Carmela” y las expresiones de arte popular pampino convergen en un fenómeno sincrético que es el centro del proyecto audiovisual de la fotógrafa Vania Fernández de Iquique.

MESA REDONDA “URBANIZACIÓN DE TARAPACÁ”
15:00 horas, Auditório Sala de Arte Casa Collahuasi
La mesa redonda contará con la participación de Lautaro Núñez (arqueólogo nacido en Iquique, Premio Nacional de Historia 2002 y director del Museo de San Pedro de Atacama), la historiadora peruana Rosa Troncoso (Pontificia Universidad Católica del Perú) y el curador de la zona por la Trienal, Rodolfo Andaúr (historiador de arte chileno).

EXPOSICIÓN “ACCIÓN EDUCACIÓN Y ARTE ACTUAL EN TARAPACÁ”
17:00 horas, Sala Casa Mayor
La muestra es el resultado de una serie de acciones emprendidas en la zona durante meses previos. El Consejo Regional de la Cultura y las Artes de Tarapacá, bajo la dirección de Claudia Camacho y con la colaboración profesional de la historiadora Patricia Rivera, desarrollaron un proyecto que congregó las miradas de los estudiantes de tercero y cuarto medio, así como también a profesores de diferentes comunas de esta región en torno a la Trienal de Chile 2009. Esta acción incluyó seminarios dictados por los artistas Demián Schopf, Gonzalo Cueto y Jo Muñoz. Ellos no sólo explicaron los motivos del arte actual y su trascendencia en la educación media de nuestro país, sino que también invitaron a los alumnos y profesores a presenciar los montajes de sus obras relacionadas con la zona de Tarapacá, en distintos puntos de la ciudad de Iquique.

EXPOSICIÓN “INFORME DE CAMPO”
5 al 30 de octubre, Sala de Arte Casa Collahuasi
Curadores: ADRIANA ALMADA (Paraguay) y RODOLFO ANDAÚR (Chile)
La exposición reúne las propuestas realizadas en residencia en la zona por los artistas invitados Vania Fernández y Patrick Hamilton de Chile, más Joaquín Sánchez de Paraguay. Se incluye una propuesta del artista boliviano Gastón Ugalde. Inauguración: martes 13 octubre a las 20:00 horas.

EXPOSICIÓN “EL CAMPEÓN: ARCHIVO PERSONAL DEL ‘TANI’ LOAYZA”
5 de octubre al 20 de noviembre, Museo del Boxeo de Iquique
Curador: RODOLFO ANDAÚR (Chile)
Una muestra sobre la vida, sus entrenamientos y el largo viaje en barco a Nueva York de Estanislao “Tani” Loayza, boxeador que en 1925 se transformó en el primer chileno en disputar el titulo mundial en la categoría de peso liviano, estará en el Curada por el académico chileno Rodolfo Andaúr, la exposición “El campeón” apunta a reflexionar sobre ciertos tropos que emergen de este archivo, habida cuenta de que las vivencias y pericias del deportista reflejan los sueños de cientos de personas que hoy condicionan su modus vivendi para ingresar a esta particular zona comercial con flexibilidad tributaria. La muestra será inaugurada oficialmente el 13 de octubre, pero estará abierta a contar del lunes 5 y hasta el 20 de noviembre.

CICLO DE VIDEO ARTE LABERINTO DE VISIBILIDAD: AUDIOVISUAL EXPERIMENTAL EN LOS AÑOS DE DICTADURA
8 - 14 de octubre, Centro Cultural Palacio La Moneda (Santiago) | 5 - 30 de octubre, Sala de Arte Collahuasi (Iquique) | 15 de octubre, Universidad Católica del Norte (Antofagasta)
Curadora: MÓNICA CARBALLAS (España)
En el marco de la Trienal de Chile, la curadora española Mónica Carballas presenta un ciclo de video arte y documentales, con obras concebidas en contextos de represión política y cultural en Latinoamérica, que suma a artistas como Juan Downey, Eugenio Dittborn, Lotty Rosenfeld, Regina Silveira, Sergio Muniz, Andrés di Tella, Ignacio Agüero, Letícia Parente y Paulo Bruscky, entre otros. El programa comprende una selección de 25 piezas realizadas principalmente entre mediados de los años 60 y finales de los 80 en Brasil, Chile, Uruguay, Paraguay y Argentina. Simultáneamente, con la participación de teóricos y artistas, se desarrollará una serie de mesas redondas sobre estas poéticas de resistencia desarrolladas a través de la experimentación con el lenguaje audiovisual.

El 9 de octubre se inaugura en el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (Plaza Sotomayor 233, Valparaíso) “Arte Latinoamérica: Estados de Sitio”, un circuito de exhibiciones en salas de arte y de intervenciones en el espacio público que propone un acercamiento al arte latinoamericano de las últimas décadas.

El proyecto incluye obras de importantes artistas, así como registros y archivos de grupos que en los años 70 y 80 trabajaron en contextos de represión política. Se cuentan, entre otros, Francis Alÿs (México), Juan Burgos (Uruguay), Roberto Jacoby (Argentina), Óscar Muñoz (Colombia), Liliana Porter (Argentina - Nueva York), Gonzalo Díaz, Juan Castillo y Guisela Munita (Chile); más los colectivos Tucumán Arde (Argentina, 1968), Colectivo Acciones de Arte (CADA - Chile), EPS Huayco (Perú), Taller 4 ROJO (Colombia), No-Grupo (México).

La Trienal es un programa nacional Bicentenario que incluye a artistas, curadores, críticos e intelectuales tanto locales como extranjeros, exhibiciones y diversas actividades a través del país. De impacto global, celebrará cada tres años las artes visuales nacionales con un modelo de acción descentralizado.

En palabras del curador general de la Trienal de Chile, Ticio Escobar: “La muestra plantea una situación del arte latinoamericano desde cierto anacronismo: una vuelta a las fuentes, al trabajo con archivos, a un sentido político y de vanguardia, revisando cómo se relacionan las obras de hoy con esas matrices. Desde el discurso del evento sobre los límites del arte, es plantear la relación con la memoria”.

Se extiende al respecto, el curador uruguayo Gabriel Peluffo: “En las últimas décadas, el mapa cultural del continente ya no puede disimular el estar ‘fuera de registro’ con relación a su antiguo contenedor: el mapa político-geográfico. Nuevas condiciones de conciencia histórica (en lo relativo al esfuerzo revisionista de las historiografías locales y al redimensionamiento del papel jugado por la diversidad étnica en los conflictos sociales), así como nuevos flujos migratorios que crearon comunidades dislocadas con motivo del exilio político y la migración laboral, constituyen factores activos de la permanente movilidad de dicho mapa cultural… Hablar de ‘arte latinoamericano’ sin rémoras esencialistas sólo puede tener sentido en el restringido marco casuístico de determinadas prácticas artísticas, curatoriales y políticas”.

“Esta exposición no pretende, por lo tanto, basarse en categorizaciones historiográficas y tampoco en otras de carácter formal o doctrinal, para luego hacer una taxonomía museográfica de esas categorías, como ha sucedido muchas veces. Hemos preferido poner el acento en un arte caracterizado por actitudes de vanguardia en el linde con la acción política como marca distintiva de varias experiencias localizadas, aunque geográficamente dispersas, que se registraron en el continente desde fines de los años 60”, agrega.

Cabe señalar que el énfasis puesto en el período 1968-1985 es cuestión sustantiva del proyecto, en tanto tiene lugar en él una transformación peculiar de la relaciones entre arte y política, pasando de un arte que busca la ilustración estética de la crítica política, a una política de las estrategias críticas (en tanto críticas culturales al sistema) a través del arte.

En el guión expositivo, se superponen dos diagramas de selección y organización de obras: en primer lugar uno que parte de la idea de “Diálogos de sitio” y, en segundo lugar, un diagrama que busca restaurar la noción de “archivo” como estrato testimonial de una memoria dinámica, abierta a relecturas diversas, poniendo en diálogo acontecimientos puntuales y territorialmente dispersos que tuvieron lugar en América Latina a través de colectivos emblemáticos en el sentido de pulsión creativa, espesor crítico y resistencia política.

En los “Diálogos de sitio” —un eje curatorial concebido “en travesía”— destacan las obras in situ o que transitan de Francis Alÿs (México), Juan Burgos (Uruguay), Roberto Jacoby (Argentina), Oscar Muñoz (Colombia) y Liliana Porter (Argentina – Nueva York), al igual que las intervenciones públicas de Gonzalo Díaz, Juan Castillo y Guisela Munita.

Mientras que en los distintos espacios se situarán archivos de obras de los siguientes colectivos:

- SALA PUNTÁNGELES (Calle O’Higgins 1266): Grupo de Artistas de Vanguardia de Rosario y la acción “Tucumán Arde” (Argentina, 1968).
- MUSEO COCHRANE (Merlot 195, Cerro Cordillera): Taller 4 ROJO (Colombia, 1972-1976), Clemencia Lucena (Colombia, 1973-1983), EPS Huayco (Perú, 1980-1982).
- SALA EL FAROL (Calle Blanco 1113): Colectivo Acciones de Arte —CADA— (Chile, 1975-1985).
- ESPACIO DUC (Iglesia La Matriz, Santo Domingo 26): No-Grupo (México, 1977-1983).
- ESPACIO ZÓCALO, Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (Plaza Sotomayor): exposición “Travesías” (Valparaíso, 1965 - 2009), con registros del Proyecto Amereida (Escuela de Arquitectura de Valparaíso), de Vanguardia de Rosario y EPS Huayco.

ITINERARIO POSIBLE Y DETALLE DE OBRAS

A continuación, se presenta un recorrido propuesto por Gabriel Peluffo para visitar toda la muestra de la Trienal de Chile que ocupa Valparaíso, concibiéndose las exposiciones e intervenciones como una combinatoria de itinerarios que reproducen los recorridos del sujeto en la ciudad.

- La sala de exposiciones PUNTÁNGELES, en las inmediaciones de la Plaza Cívica, con el archivo del Grupo de Artistas de Vanguardia de Rosario y Tucumán Arde, puede ser un punto de partida pertinente del recorrido. En ese espacio se encuentran también obras actuales de Roberto Jacoby y de Ricardo Migliorisi.

- En dirección hacia el sur, a dos cuadras de Puntángeles, se encuentra la SALA EL FAROL, donde se dispone el archivo de CADA que incluye, además de obra gráfica, fotografías y documentos, imágenes de acciones callejeras de Lotty Rosenfeld. En ese contexto se instala la obra “Narciso” del colombiano Oscar Muñoz y el video de Juan Castillo “Proyecto Bordes”.

- Prosiguiendo el recorrido en la misma dirección, y llegando a la Plaza Sotomayor, se encuentra el edificio del CONSEJO DE LA CULTURA Y LAS ARTES en cuyo interior, descendiendo un piso desde el hall, se disponen las obras vinculadas al eje curatorial “en travesía”: registros fotográficos del artista chileno Juan Downey, de EPS Huayco y Tucumán Arde, así como un video con acciones del CADA y otro del artista mexicano Francis Alÿs. En el hall de este edificio el artista chileno Raúl Zurita (ex integrante de CADA) expone el registro de su obra realizada en 1993 en el desierto de Atacama, donde “escribió” en el paisaje mediante máquinas excavadoras NI PENA NI MIEDO.

- Sobre la fachada hacia la Plaza Sotomayor, se desarrolla el texto en letras de neón, obra del chileno Gonzalo Díaz.

- Sobre la calle Serrano, se encuentra la ruina del PALACIO SUBERCASEAUX, cuyo apuntalamiento sirve como documentación de obra a la artista chilena Guisela Munita, a través de una gigantografía fotográfica instalada en una de sus fachadas.

- Andando por la calle Serrano y ascendiendo hacia el Cerro Cordillera se llega al MUSEO COCHRANE, a unos 150 metros de la Plaza Sotomayor y sobre una altura que permite la visualización del recorrido general. En sus tres salas se ubican las obras y documentos de EPS Huayco (cuyos principales artistas representados son María Luy, Francesco Mariotti, Charo Noriega, Javier Salazar, Armando Williams, entre otros), de Taller 4 Rojo (con obras del colectivo entre las que destacan las de Diego Arango y Nirma Zárate) y pinturas de Clemencia Lucena. Los artistas contemporáneos incluidos son Juan Burgos y Liliana Porter; el primero con intervenciones digitales sobre grabados de propaganda de la China maoísta; la segunda con su video digital “Matiné” (2009), una metáfora exquisita de la desolación contemporánea construida con toques de humor y fragmentos de utopías.

- Descendiendo en dirección a la ciudad vieja, y a unos 200 metros del Museo Cochrane, en el sector de la Iglesia La Matriz, está el último de los espacios que conforman este itinerario: la pequeña sala de exposiciones del CENTRO DE ESTUDIOS DUC (Desarrollo Urbano), donde se instala el archivo del colectivo mexicano NO Grupo, con obras colectivas y piezas individuales, principalmente de Maris Bustamante y Melquíades Herrera.

- Parte del eje “Travesías” es la obra de Juan Castillo que recorre la ciudad con “Ejercicios de borde”, un archivo móvil de su otra obra dispuesta en la Sala El Farol, tratándose de un camión con los relatos registrados en video de habitantes del puerto.

Treinta artistas seleccionados por el curador español Fernando Castro Flórez, dan cuerpo a “El terremoto de Chile”, una de las exposiciones centrales de la I Trienal de Arte Visuales, al proponer una mirada inédita sobre el arte chileno actual.

En distintos espacios de Santiago, la muestra incluye obras realizadas especialmente para el evento por artistas de diversas generaciones, como Arturo Duclos, Pablo Langlois, Nury González, Patrick Hamilton, Iván Navarro, Mario Navarro, Mónica Bengoa, Pablo Ferrer, Claudio Correa, Andrea Goic, Fernando Prats, Cristian Silva, Claudia Aravena, Nicolás Grum y Margarita Dittborn, sumando, entre otros, al Premio Nacional 1999 José Balmes.

La Trienal es un programa nacional Bicentenario que incluye a artistas, curadores, críticos e intelectuales tanto locales como extranjeros, exhibiciones y diversas actividades a través del país. De impacto global, celebrará cada tres años las artes visuales nacionales con un modelo de acción descentralizado.

Acogiendo el llamado del curador general del evento, Ticio Escobar, sobre explorar los límites del arte, Fernando Castro Flórez, a cargo de “El terremoto de Chile”, dice que la muestra “no pretende ser de ‘tesis’, como altisonantemente suele decirse. No es una selección enciclopédica ni hegemónica sobre arte contemporáneo en Chile. Son distintas generaciones en diálogo bajo un pretexto literario”.

Este pretexto es el relato del poeta alemán Heinrich von Kleist, “El terremoto de Chile” (1808), que le sirve para organizar la narrativa de la exposición. El cuento era para él una obsesión: un español que vive en Chile un amor prohibido, es condenado a muerte y sufre la devastación de un terremoto. “El acontecimiento natural desata una suerte de historia moralizante en la que el extranjero aparece como aquel que mancilla el honor de lo propio. Aunque la historia avanza hacia lo bucólico y parece que finalmente todo habría sido ‘perdonado’, da un giro inesperado, pero no por ello menos lógico, hacia la violencia salvaje e indiferenciada”, dice el curador.

Por seguir con la analogía literaria, “la muestra intenta detectar temblores de tierra, situaciones veladas o discontinuidades, sin pretender ofrecer una imagen institucional ortodoxa. Más allá del cliché del ‘arte joven’ o del mero panorama complaciente, lo que intentamos es fijar algunos elementos estético-cartográficos para pensar qué ha sucedido en el arte chileno contemporáneo una vez que comienza a concretarse el dibujo o la imaginación del Edén, por parodiar el título de una importante aproximación al contexto y a los artistas realizada por Gerardo Mosquera (‘Copiar el Edén. Arte reciente en Chile’, Santiago, 2006)”.

Así, agrega, “se podrá ver la multiplicidad de propuestas, lenguajes e intenciones del arte que se está haciendo en Chile en este siglo XXI. Desde planteamientos pictóricos a fotografías que tienen en cuenta lo ruinoso sin derivar hacia la melancolía romántica, de las instalaciones a los planteamientos relacionales, de la procesualidad o lo conceptual a la búsqueda de interacción”.

Mientas que Mónica Bengoa realizó su obra especialmente para la Biblioteca de Santiago y Fernando Prats, para Matucana 100, el resto de los artistas exhibirá en el Museo de Arte Contemporáneo sede Quinta Normal. Patrick Hamilton, Bernardo Oyarzún, Jorge Gronemeyer, Guisela Munita y Nury González participan además en otras actividades de la Trienal de Chile.

Fernando Castro Flórez es profesor titular de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad Autónoma de Madrid, y del Master de Teoría y Práctica del Arte Contemporáneo en la Universidad Complutense de Madrid. Ha impartido cursos de doctorado, clases y conferencias en numerosas universidades y museos nacionales e internacionales. Es miembro del Patronato y de la Comisión Permanente del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Ha sido co-comisario del Pabellón Español en la Expo-Hannover 2000, Comisario de la Bienal del Fuego en el Museo Nacional de Bellas Artes de Caracas y co-comisario del Pabellón de Aragón en la Expo-Zaragoza 2008. Fue galardonado con el Premio Espais de Crítica de Arte al mejor proyecto curatorial.

LOS ARTISTAS Y SUS OBRAS

MARICRUZ ALARCÓN (1983)
El Pueblito
Registro documental en video de alta definición sobre ciertos fenómenos de migración urbana que se producen en los barrios acomodados de Santiago. El video muestra cómo empleadas domésticas, jardineros, obreros de la construcción y personal de servicio suben a trabajar a las casas mientras los habitantes de éstas bajan a sus lugares de trabajo y estudio. La introducción de un elemento de ficción dentro del registro fuerza una continuidad en el movimiento de los personajes y falsea la candidez de un paisaje diseñado según los modelos estéticos y económicos.

CLAUDIA ARAVENA (1968)
Esto no es un loop, es tiempo real
La instalación incluye video y objetos, siendo una mise-en-scene de una sala de espera con material documental de la Oficina de Migración de Santiago, metáfora de la cosa indeseada, de la disipación y el desperdicio en el ser humano que experimenta el trance de la migración.

JOSÉ BALMES (1927)
Terremoto
La obra en técnica mixta pertenece a la colección del Museo del Barro de Asunción, Paraguay, donde fue realizada in situ en 2005 a partir de la urgencia que estableció la noticia de un movimiento telúrico en la zona norte de Chile. Es una gran tela sin bastidor que —a la manera de un códice— establece los signos mínimos, manchas de color negro que cohabitan sobre la superficie cruda, delineando la territorialidad de una geografía devastada. El dibujo prefigura los cuerpos entre los “escombros”. Una mano se crispa entre los volúmenes de una pared en tierra. Balmes es Premio Nacional de Arte 1999 y director del Museo de la Solidaridad Salvador Allende.

MÓNICA BENGOA (1969)
Some aspects of color in general and red and black in particular
La instalación es una versión hecha especialmente para la Biblioteca de Santiago de la obra presentada por la artista en la 52ª Bienal de Venecia (2007), donde representaba —en cuatro grandes murales— imágenes de insectos con miles de cardos teñidos en juegos de grises, negros y rojos. Aquí la artista profundiza su investigación en torno al medio fotográfico y operaciones de traspaso, contrastando la monumentalidad, la abundancia y la exacerbación de las texturas y el color, con la restricción cromática.

ARTURO CARICEO (1968)
Neopompier Endowment for the Arts (NEA)
La obra está compuesta por dos soportes (Internet y el museo), reflexionando sobre las ideas estéticas e intelectuales de modernidad que han dirigido la producción artística en Chile. Desde la dirección www.cariceo.uchile.cl, el artista plantea una página Web en constante construcción, “Historia sentimental de la experimentación artística”, que dará cuenta del proyecto propio Loyola Records. Mientras que la intervención en el MAC, “Variaciones sobre la bajada de Leppe y Dittborn, incluso”, incluirá la recreación de los primeros entornos interactivos artísticos realizados en países desarrollados a fines de los ‘60 e inicios de los ‘70.

CLAUDIO CORREA (1972)
Perdidos: tres crónicas de una rehabilitación conductual masculina
La instalación objetual y electroacústica ocupará el exterior del museo y un rincón cercano al servicio higiénico, enmarcándose en una investigación emprendida por el autor en 2003 en el mundo carcelario sobre estéticas de la marginalidad urbana. Correa ha utilizado la entrevista y la crónica como elementos de investigación artística. El trabajo ahora se fundamenta en un taller de arte y comunicación realizado a jóvenes condenados del Centro de Rehabilitación Conductual de Valdivia, quienes trabajaron su propio retrato y el de sus seres queridos mediante el programa Identikit, similar al utilizado por la policía para identificar a delincuentes o sospechosos.

GONZALO CUETO (1973)
Líneas de tensión
El trabajo de video, en proceso desde 2006 al presente, es un registro en cámara fija que cita una romántica visión pictórica del paisaje, una serie de acciones sobre estructuras de transmisión eléctrica situadas en bordes urbanos y rurales de diversos lugares de Chile.

MARGARITA DITTBORN (1981)
Exótico
La obra profundiza en el imaginario que tuvieron los europeos respecto a América durante el período de los descubrimientos y las conquistas. Los fotomontajes se basan en imágenes de grabados creados, la mayoría, por ilustradores europeos que jamás pisaron el continente americano, trabajados a partir de historias inventadas por viajeros y reseñas sobre América que no se sabe en qué parte de la historia se tergiversaron tanto.

ARTURO DUCLOS (1959)
 (noesis noeseos radio_mix –griego [el pensamiento del pensamiento])
El proyecto consiste en una pintura mural sobre una superficie curva de panelería revestida con tela PVC, trabajada con carburundum y, sobre éste, pintado un elemento abstracto. El conjunto lleva un sistema de iluminación con luz negra. La obra está basada en la concepción aristotélica de Dios, pero resuelta en un diagrama expandido de la concepción taoísta, un cruce, una remezcla cultural puesta a gran escala para su contemplación bajo la búsqueda de un efecto de sobrecogimiento crepuscular producido por la iluminación.

PABLO FERRER (1977)
Excavación
El trabajo en óleo es una imagen de gran formato compuesta por cuatro telas unidas. Esta representación está pintada a partir de maquetas y otros tipos de modelos. La pintura representa un terreno descampado con diversos accidentes geográficos.

NICOLÁS FRANCO (1973)
Género Negro
La instalación consiste en un gran andamiaje metálico, de más de ocho metros de alto, del que cuelgan dos paños de lino negro, y que utiliza estructuras propias del montaje escenográfico. Se trata de montar la apariencia misteriosa de un espectáculo inexistente, una grandilocuente arquitectura del poder, donde los paños rememoran ritos funerarios. Monumental y sintético, el montaje explora los códigos del miedo y la violencia mediática.

FRANCISCA GARCÍA (1969)
Interior, catástrofe
Instalación que relaciona escultura y sonido. El volumen escultórico de la obra corresponde a una torre de alta tensión derribada a lo largo de la sala de exposición. En el paisaje, estas estructuras metálicas de gran formato que conducen energía, irrumpen en el espacio conectando lugares remotos. La obra alude a la representación de estas estructuras más allá de su función primaria, con su significado icónico dentro de la historia de Chile reciente. El derribamiento de torres de alta tensión como el deseo de la irrupción, inconexión y contraposición.

ANDREA GOIC (1959)
Video tremens
La propuesta es parte de un trabajo exploratorio en video desde el registro de múltiples testimonios emitidos en estado mental alterado por efecto del alcohol. Hombres, en diversos grados de ebriedad, son interrogados para que hablen de sus padres y del golpe de Estado de 1973.

NURY GONZÁLEZ (1960)
La Vida es Sueño
Después de cualquier terremoto —de tierra, político, familiar, amoroso— lo que queda en la habitación es el velador, que logra contener, en el tiempo posterior a la partida, pistas de la última conversación, de la última espera, del último soplo. La instalación consiste en el emplazamiento de 45 veladores provenientes de Santiago y sus alrededores. Podrá haber sobre ellos distintos objetos, como ceniceros, radios, relojes, libros, remedios, vasos o aparatos de control remoto, siendo única iluminación la luz de las lámparas de noche. Son 45 retratos velados. Nury González es directora del MAPA, Museo de Arte Popular Americano, y en el marco de la Trienal presenta en este espacio el proyecto “Poliloquio chaqueño”.

ADRIÁN GOUET (1982)
Estado Vegetal
La pintura ofrece imágenes cuya voluntad de complacencia y satisfacción —cifrada en una suerte de efectismo pictórico— es contravenida por las connotaciones trágicas que, tanto plástica como iconográficamente, pueden advertirse en cada una de ellas. De la misma manera, la inmediatez con que la mimesis pictórica nos conduce al campo de las figuras representadas es boicoteada por las sucesivas mediaciones que permiten la obtención de esas mismas imágenes, configurando un nuevo estrato de fricción visual.

JORGE GRONEMEYER (1971)
Serie urbe
El proyecto fotográfico es parte de un trabajo de mayor alcance titulado genéricamente “Urbe”, donde el autor realiza en forma analítica y metodológica una serie de “retratos de ciudades”, abordando el género paisaje desde el urbanismo y lo visual/técnico, en la precisión de la fotografía arquitectónica y la referencia histórica de las vistas topográficas. El artista participa igualmente en las exposiciones de “Aiwin. La imagen de la sombra”, otro proyecto Trienal.

NICOLÁS GRUM (1977)
El estado de las cosas / Las cosas del Estado
Disposición escultórica hecha a partir de sillas dadas de baja por la Contraloría General de la República de Chile, dispuestas como módulos en un conjunto ordenado, geométrico y en equilibrio precario. Estos muebles fueron parte de una idea (o ideal) modernista y modernizador, que volvía a preguntarse por la función del hombre, de la industria y del arte al interior de una sociedad. Su manufactura y calidad remiten a una lógica ajena a la actual: son muebles durables, con un diseño sencillo y funcional sin dejar de ser cómodos y ergonométricos.

PATRICK HAMILTON (1974)
Proyecto Lanz
La propuesta tiene como punto de partida un mito que existe en el sur de Chile sobre el oro fundido y escondido por los nazis en piezas de tractores de la marca Lanz, que luego de la II Guerra Mundial habrían sido enviados al sur de Chile y a otros países de Sudamérica. A partir del relato, Hamilton ha desarrollado un trabajo de investigación visual donde utiliza diversos elementos —incluso oro de 24 kilates— y cuya primera etapa es ésta, a través de dibujos, collages y objetos. El artista ha participado igualmente en la Trienal a través de un trabajo en residencia en Iquique.

PABLO LANGLOIS (1964)
El canto de los pájaros: el ruido y el silencio
La obra consiste en un mural hecho progresivamente por la impresión de textos referidos a la Trienal y temas distintos y distantes de ésta. Recogidos en mesas redondas, en los medios de comunicación, en conferencias, conversaciones o recuerdos del público, estos textos son yuxtapuestos a nidos de pájaro hechos con restos de materiales blandos: cordeles, hilos, alambres, plumas etc. Allí se reproduce, a través de pequeños parlantes, el sonido de los pájaros en una pajarera conmocionada por un evento extraordinario. Estos cuadros y nidos son sostenidos, metafóricamente, por fotografías de pies calzados. Los días que anteceden el cierre de la Trienal, los comentarios serán borrados con una capa de pintura general.

RODRIGO LOBOS (1980)
Cachet II
El montaje tiene como referencia dos noticias distribuidas en distintos medios nacionales durante el 2008, las que conviven dentro de la sala produciendo una nueva narración. Ambas noticias están relacionadas al agua y se presentan como hechos asombrosos. La primera relata la desaparición del lago Cachet II en la zona sur de nuestro país; la segunda es el anuncio de descubrimiento de agua bajo la superficie del planeta Marte. Desde estas noticias, el artista construye una escenografía que toma estrategias visuales del campo educacional, como maquetas, modelos y documentos, siendo recurso importante además el color negro.

GUISELA MUNITA (1971)
Apuntes para un catastro
El incendio en 2007 de dos edificios patrimoniales de calle Serrano en Valparaíso enfrentó a lo precario e inestable de una fachada sostenida solo por puntales de apoyo. Tal como se afirma un árbol a punto de romperse, los apuntalamientos no solucionan el problema, solo retardan el proceso. Los apuntalamientos son nueva documentación de obra (fotografía lambda en caja de luz fluorescente). Acusan la precariedad de las decisiones políticas para esta ciudad: si en el año 2000, la artista tomó ciertos casos de fachadas ahuecadas, hoy esos casos se han multiplicado. La artista participa además en el circuito “Estados de sitio” con una intervención en un edificio porteño.

IVÁN NAVARRO (1972)
El monumento perdido para Washington DC o Propuesta de monumento para Víctor Jara
El video alude a la dictadura de Augusto Pinochet y a la muerte de Víctor Jara en 1973, mientras estuvo recluido en el Estadio Nacional. Dos figuras descalzas en una pieza vacía son vestidas con ropas oscuras y carteras blancas sobre sus cabezas como si fueran torturadas. Uno de los personajes recita con una guitarra el poema “Estadio Chile” en un tono tranquilo pero firme, resignado pero resuelto. Navarro juega con una figura humana en tubos fluorescentes como monumento al cantautor. El artista chileno representa este año a Chile en la 53ª Bienal de Venecia.

MARIO NAVARRO (1970)
El pabellón del árbol magnético
La instalación relaciona tres secciones: PLUS, un área de descanso donde el público puede interactuar con la obra a través de un dispensador de licor como de bar personal; NEUTRAL, donde se enfrentan dos videos filmados en diferentes años y lugares de Chile, teniendo el “magnetismo” como protagonista principal; y MINUS, una pequeña exhibición de la colección de electroimanes construidos por campesinos de la región de Jahuel en Chile. Se incorpora un conjunto de piezas gráficas que ilustra la noción de Magnetismo Animal propuesta por Franz Mesmer a fines del siglo XVIII y reproducciones de afiches del filme Repulsión (1965) de Roman Polanski. Navarro es curador adjunto de la VII Bienal de Mercosur 2009, Porto Alegre, Brasil.

DIEGO OPAZO (1966)
Lares Loci
Lares Loci: divinidad romana que velaba por el territorio en que se encontraba la casa familiar. Intrigado en la relación de catástrofe y belleza, o en la belleza de la catástrofe, el autor ha recorrido y fotografiado escenarios donde una erupción volcánica generó caos, muerte y desaparición. Su intención es representar en cada fotografía la escenografía de una tragedia como una representación de teatro. El artista vive y trabaja en España.

BERNARDO OYARZÚN (1966)
Sin título
El proyecto incluye la recolección de piezas artesanales de Chile, objetos dispuestos sobre tres mesas de luz, abordando operaciones técnicas y mecánicas aplicadas, de diseño y estética popular. A diferencia del arte visual, que juega en otros estratos del discurso personal de presencia y unicidad ególatra, la artesanía corresponde a operaciones globales de multiplicidad dispersa. El mayor desafío es el ejercicio de esta obra: recolección de piezas únicas, dentro de su rebaño de similares. El artista también trabaja en “Aiwin, la sombra de la imagen”, proyecto Trienal con comunidades mapuches.

FERNANDO PRATS (1967)
Sismografía de chile
Ubicada en Matucana 100, la obra es la prolongación del proyecto Agitación (2006), acción de registro de fenómenos naturales en el salar de Atacama, en los Géiser del Tatio y mina de Lota. Para la Trienal se amplía hacia el pueblo de Chaitén y el Océano Pacifico. Para concluir, se expone la instalación Congelación realizada en el continente Antártico de Chile. El proyecto consistió en un viaje por el territorio de Chile recolectando imágenes, huellas y registros de nuestra geografía. Una caja para ahumar con un papel a modo de “sismograma” o “soporte para la memoria”, registra la ex¬plosión de la energía contenida en nuestra naturaleza geográfica.

ALEJANDRA PRIETO (1980)
Sin título
La obra será una construcción de tres metros de diámetro por 1,65 de alto de bloques de carbón mineral representando un iglú. Se ubicará al centro de la sala y se iluminará desde tres fuentes, una que saldrá desde el zócalo del iglú, otra de adentro y la luz ambiental que será natural de día y, de noche, una discreta luz artificial.

NICOLÁS RUPCICH (1981)
Objects in mirror are closer than they appear
La obra consiste en un video montado en un monitor de 7 pulgadas, un plano secuencia de una toma panorámica recorriendo todo el trayecto de la autopista Costanera Norte. Conectado a un sensor de movimiento, el video detectará cuando un espectador se acerque a ver la imagen en el pequeño monitor y pondrá la imagen en pausa. Sólo a distancia se podrá experimentar el registro del recorrido en su plenitud.

DEMIAN SCHOPF (1975)
Máquina de Coser
Una de las líneas de trabajo de Demian Schopf se concentra en aplicaciones informáticas implementadas en instalaciones que procesan y generan textos literarios a partir de datos recolectados en la Web y del Análisis Semántico Latente tanto de estas bases de datos ‘dinámicas’ como de otras que son ‘estáticas’, entre otras, ‘El Capital’ de Marx o ‘La interpretación de los Sueños’ de Freud. Mediante el habla digitada, la obra en proceso ‘Máquina de Coser’ incorpora además los diálogos previos de los espectadores con la máquina. Así, el sistema procesa, analiza y aprende dentro de la justa medida de las capacidades de una ‘cosa parlante’.

CRISTIAN SILVA (1969)
Sin título
Desde la noción de “réplica”, y por medio de un conjunto de pequeños ejercicios aislados, la propuesta intenta abordar la nebulosa zona en la que se intersectan lo existencial y lo político.

En el marco de la I Trienal de Chile, el Centro Cultural Palacio La Moneda inaugura el martes 6 de octubre a las 12:30 horas la exposición “El espacio insumiso: Letra e Imagen en Chile de los ’70”, basada en archivos que se exhiben por primera vez, rescatados por su Centro de Documentación de las Artes.

La selección incluye originales de los primeros catálogos de vanguardia en Chile, exhibiciones audiovisuales con registros de la época, animaciones realizadas a partir de material gráfico, entrevistas, cartas y manuscritos originales, donde varios trabajos dan cuenta además de la estrecha colaboración entre artistas y escritores hoy reconocidos, como Eugenio Dittborn, Ronald Kay, Catalina Parra, Nelly Richard y Carlos Leppe.

La Trienal es un programa nacional Bicentenario que incluye a artistas, curadores, críticos e intelectuales tanto locales como extranjeros, exhibiciones y diversas actividades a través del país. De impacto global, celebrará cada tres años las artes visuales nacionales con un modelo de acción descentralizado.

Bajo la curatoría de la directora del CEDOC, Isabel García, y la asesoría del poeta Ronald Kay, la exposición muestra —cronológicamente a partir del quiebre institucional del golpe militar de 1973, y de la consiguiente suspensión o clausura de instituciones universitarias y culturales— el comienzo de una determinante escena de artistas y teóricos que marcan el precedente de un arte crítico en Chile, al tomar el soporte editorial como plataforma de experimentación y de una nueva escritura y visualidad.

A través de documentos, se presenta el intenso debate cultural y de producción editorial que hubo entre 1976 y 1989 al margen, al borde del espacio institucional intervenido por la dictadura y en condiciones apartadas de la competencia del mercado y del amparo estatal que define las condiciones editoriales posteriores.

“El espacio insumiso” propone un acercamiento al contexto de los espacios de pensamiento que fueron plataformas donde se desarrollaron nuevas ideas y pensamiento crítico.

Por un lado, publicaciones como revista Manuscritos, del Departamento de Estudios Humanísticos, institución que resiste la intervención militar en los primeros años de dictadura, dan cuenta de un reducto de pensamiento libre, donde se introducen y analizan referentes internacionales de crítica, filosofía y literatura que posibilitaron nuevos enfoques reflexivos.

Por otro lado, la exhibición de publicaciones y catálogos de los espacios alternativos y de agrupaciones de artistas y teóricos como las de galería Cromo, CAL y el grupo v.i.s.u.a.l., entre los años 1976 y 1979, da cuenta de una productividad artística y editorial que refleja las inéditas estrategias de autoproducción vinculadas a las tendencias del arte conceptual y las metodologías de trabajo que innovaron los soportes para las artes visuales y la escritura crítica.

El estudio de referentes internacionales y el rescate de elementos propios del lenguaje popular chileno, la poesía y el análisis fotográfico, tiene como resultado un imaginario y un discurso complejo y único que supera las expectativas de un arte político y de resistencia cultural.

Isabel García Pérez de Arce es Licenciada en Artes de la Universidad de Chile, especialista en Gestión Cultural de la Universidad Católica y directora del Centro de Documentación de las Artes en el Centro Cultural Palacio La Moneda. Ha sido invitada como curadora para la 28 Bienal de Sao Paulo, con el proyecto “Archivo Abierto: Centro de Documentación de las Artes”, participando con una exhibición de la colección del Archivo Audiovisual y un programa de Entrevistas y Memoria Oral.